Nuevas temporadas significan reinvención y revitalización para The Good Wife y The Leftovers

Llega el inicio de una nueva temporada, y con ella, volver a ver a personajes que extrañamos, emocionarse con la continuación de las historias que quedaron sin resolverse y considerar si vale la pena seguir viendo con las nuevas historias que traiga el actual año de la serie. Pero, para muchas, una nueva temporada puede significar la reinvención de lo que fue antes, sea por arreglar problemas de temporadas anteriores, personajes que no funcionaron o simplemente porque los años al aire ya pesan.

Este es el caso de dos excelentes series que regresan: The Good Wife, con séptima temporada; y The Leftovers, con su segunda.

Algo en común tienen estos dos programas esta vez: su revitalización.

Me explico.

Luego de una floja y hasta mediocre sexta temporada, los escritores de The Good Wife se vieron obligados a buscar una manera de avanzar la narración de manera que no se devolviera a las mismas andanzas de los primeros años, luego de sacudir todo durante la quita (la mejor) temporada en todos los sentidos posibles: muertes, renuncias, pleitos legales, amistades rotas y vueltas a enmendar. Esto porque toda la evolución que conllevan esos saltos y extremos narrativos, implica que los personajes ya no están en posición de volver a las decisiones y actitudes de, siquiera, el año anterior; la personalidad ha cambiado, las ideas ya no son las mismas. Es por eso que el dejar que Alicia tome iniciativas y tenga que asumir nuevos retos fuera de su zona de confort (es decir, la firma legal y oficinas y escenarios conocidos) era el paso necesario para que la serie no se viera afectada por la cantidad de años que lleva al aire. Pocos programas con guion llegan a tener esta longevidad y no caer en repeticiones o pérdida de audiencia por estar cansada de ver siempre las mismas personas o historias en situaciones similares al pasado o contadas apenas un poco diferente.

Hay que tener claro que la producción de The Good Wife está mucho más restringida por el canal que la produce. Los requerimientos de producir veintidós horas en menos de un año, mantener la premisa y estilo semanal, entre otras, son las pautas para que la serie sea parte de la firma del canal, a la hora de mantener su audiencia. Por suerte, esto no ha detenido a Robert y Michelle King, creadores de la serie, de cruzar la línea y atreverse a presentar temas y conceptos muy atrevidos y bien planteados que generalmente no se ven en series así; no solo en estilo visual y musical, sino en la manera de presentar cada semana un episodio con un formato fuera de los común a los episodios más serializados, tipo NCIS, Criminal Minds o CSI.

Por otro lado, y al estar en un canal pagado (HBO), The Leftovers no tiene esas mismas limitaciones creativas y maneja la posibilidad de utilizar más presupuesto en solo diez episodios que tiene cada temporada. Pero no deja de lograr el mismo nivel de profundidad en sus propias temáticas y conceptos, de una manera diferente claro.

En su segunda temporada, la reinvención es completa. El tono melancólico se ha ido, el sobre dramatismo de los personajes y la exageración del culto de la primera temporada se han ido para dar paso a una idea diferente de lo que podía significar un “arrebato” del dos por ciento de la población del planeta. Hasta la secuencia inicial de créditos es completamente distinta.

Lo mejor es que las ideas principales siguen ahí: el sentimiento de pérdida, la necesidad de sobrevivir las crueldades del mundo, las injusticias de la vida; todo permanece como base fundamental temática de la serie, ahora más estilizada y más extraña que nunca. Porque muchas veces no es necesario que pase el tiempo para darle un nuevo aire a la serie que puede llegar a revitalizarse solo con descubrir las partes que pueden funcionar más “aquí” que “allá”.

A eso le sumamos el cuidado por los detalles que podrían o no explicarse o entenderse a través de la temporada, dejando al espectador, la mayoría de las veces, más confundido al final del cada episodio. Esto gracias a la genial mano creativa de Damon Lindelof, una de las mentes maestras detrás de Lost.

Quedan advertidos a buscar estas dos excelentes producciones. Por sus temas, actuaciones, aspectos técnicos (no siempre analizados en series de tele), por ser verdaderamente entretenidas y esperando que hayan llegado para quedarse, The Leftovers y The Good Wife vuelven una vez más a deleitar a aquellos que disfrutamos de buenas historias semanales que demanden un poco más que solo ser vistas los domingos por la noche.

Mr. Robot

“Hello, friend.”

A veces, las historias de héroes vienen de los rincones menos esperados del mundo. A veces, esos héroes no saben que lo son, porque puede que estén ocultos en algún rincón del truculento y maravilloso lugar que es la mente humana.

Eso entiende muy bien Mr. Robot, una serie que sale casi de la nada con su poco convincente título y trama no muy llamativa a primera vista: hackers, seguridad informática y ataques cibernéticos. Pero, por suerte, como bocanada de aire fresco en todos sus aspectos, y con mucha confianza en sí misma, esta nueva serie resulta mucho más que su anunciada premisa.

En Mr. Robot, seguimos a Elliot Alderson, un joven ingeniero que trabaja y analiza todo desde su ordenador, no solo por su habilidad con el teclado, sino por su trastorno antisocial de personalidad. Sus pensamientos nos permiten entrar en su cabeza, saber lo que está pensando; somos su “amigo imaginario”, alguien en quien confía. Así, lo veremos desenvolverse con su apatía por las personas y la oportunidad, gracias a una organización secreta llamada Mr. Robot, de traer abajo una de esas mega compañías (curiosamente llamada Evil Corp) que controlan todos los aspectos de la sociedad.

Al entender esto, y ver cómo los personajes se desarrollan a través de los episodios, descubrimos que, más que contarnos su viaje, la serie representa a Elliot, la serie es Elliot. Un viaje atípico de esta persona desconocida para el mundo, pero suficientemente capaz como para hacer grandes cosas sin que nadie se dé cuenta. Elliot, sin embargo, sigue siendo una persona, sabe que tiene deseos y errores, los conoce, es humano. Sus debilidades están en las drogas y los lazos que forma con sus pocos seres queridos. En sus intentos de controlar todo, se le saldrán de las manos los acontecimientos que debe sobrellevar con los giros narrativos que los escritores van revelando en el transcurso de la temporada (de 10 episodios).

Así funciona, al mismo tiempo, la atmósfera de la serie: como Elliot. Es diferente, fría y distante. Cada encuadre posiciona al personaje que habla en una esquina de la pantalla, evidenciando lo pequeño que es cada quien ante la vastedad del mundo y la sociedad.  Su ritmo es acelerado, pero sin colores brillantes; el neón de las luces o la oscuridad de las esquinas son los escenarios más recurrentes. El exterior es peligroso; el interior, aun más. Las secuencias son acompañadas de música que se funde con las imágenes, demuestran niveles de tensión o tranquilidad, dependiendo del momento. Un plano secuencia en particular, durante el episodio cuatro, que me dejó con la boca abierta.

Lo mejor, es que todos los tecnicismos no hacen descuidar el tratamiento de los personajes y la historia que se cuenta. Desde su intrigante protagonista (al cual Rami Malek le da el aire perfecto con su sutil pero hipnotizante actuación), a los secundarios, donde, sobre todo, los femeninos aparecen bien formados y con espacio suficiente para desenvolverse propiamente en el mundo de la serie. Incluso, el posible antagonista tiene uno de los arcos narrativos más interesantes.

Temáticamente, Mr. Robot muestra las injusticias que sufren las personas de parte del capitalismo y los altos negociantes que controlan y supervisan todo desde sus oficinas en rascacielos, además de explorar la posibilidad de desbancar a estos funcionarios mediante el arma de doble filo más grande de la actualidad: la internet. Pero antes que eso, Mr. Robot es sobre la capacidad de mantenerse a flote en esa misma sociedad que alienta y, al mismo tiempo, destruye con demasiada facilidad cualquier sueño y hasta relación personal que se pueda tener. Es el retrato de la sociedad dormida y un individuo que, al no encajar, no sabe si prefiere ser parte de todo eso o salirse de una vez por todas. Pero ¿por qué le resulta tan difícil? Porque su humanidad y emocionalidad se interponen. Y no sabe si eso es bueno o malo, cosa que asusta y confunde aun más. (Hasta la confianza que tiene con su “amigo imaginario” puede destruirse cuando menos se espera.)

Entonces, eso es lo que puede destacar entre tanto código y aparato tecnológico: que todos tienen algo especial y diferente, y que, como individuos, podríamos salvarnos de ser absorbidos por la jungla de metal.

Es por eso que Elliot es un héroe moderno. Pero él no lo sabe. Y esa es la parte más interesante de la serie.   

Entre tanta ­—y, a la vez, tan poca— oferta, Mr. Robot sobresale con su estilo particular y facilidad de adentrarnos a su universo paralelo sin caer en exageraciones o pretensiones. Cada episodio tiene su encanto propio, así como la temporada completa, y deja buen sabor para anticipar su ya asegurado segundo año.

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Halt And Catch Fire: segunda temporada

Al terminar su primera temporada, Halt And Catch Fire no sabía qué quería ser, qué fue o qué historias contó durante sus primeros diez episodios. De tal manera que el recuerdo de esta serie era un montón de momentos borrosos de una compañía, Cardiff Electric, que quería diseñar el ordenador de mañana. Lo que quedó fue la basura que deja la competencia a la hora de presentar el producto final.

Lo que sí parecía un poco más memorable fueron los personajes que la serie creó, pero el mal desarrollo que tuvieron resultó una lástima para estas personalidades interesantes que nos llevarían un poco más allá de las mentes que pensaron, configuraron y crearon las computadoras que hoy en día usamos.

Entra a su segundo año y el rediseño de la serie no es solo evidente, sino que sorprendentemente bueno.

Todo comienza con el replanteamiento del enfoque de la serie. Olvidarse de sus personajes mientras avanzaba en trama fue la primera falla; esta vez, con solo el primer episodio de este año, la atención está clara en el crecimiento interno de los personajes, a través de las situaciones externas que necesariamente deben suceder. Algo así como darse cuenta de que el potencial no estaba en contar una historia de computadoras y ya; la gran maravilla era ver cómo estas personas llevan sus sueños a intentar materializar dentro de la dura realidad que los rodea y cómo crecen, dentro de sus imperfecciones, conforme se enfrentan a la vida misma.

 

Esto se refuerza colocando al frente de la historia principal a las dos figuras femeninas principales, Cameron (Mackenzie Davis) y Donna (Kerry Bishé), dándoles protagonismo y jugando con los diferentes matices que podrían tener a la hora de manejar su propia compañía (Mutiny) de juegos en línea desde una casa, además de desarrollar la complicada, pero estrecha relación entre ellas.

Christopher Cantwell y Christopher C. Rogers, creadores de la serie, llegaron a pulir su manera de plantear y desarrollar las historias después de analizar y observar cómo reaccionaban los personajes entre sí (mucho se da luego de ver las interacciones entre actores y vida propia que le den al papel). Cada una de las decisiones que vemos en la segunda temporada de Halt And Catch Fire es siempre merecida y con fundamento, nunca se sale de la realidad creada en la serie; más aún, cuando una emoción específica es representada en pantalla, es posible identificarse con ellos, aunque no sea igual: el sentimiento es creíble.

Aunque los temas tecnológicos, de financiamiento, el poderío de las grandes empresas y debate sobre lacreatividad son evidentes a través de la serie, no llegan a estar sobre los conflictos internos de los protagonistas de la serie (y de los secundarios también). Porque si algo entendieron los escritores de Halt And Catch Fire es que, para lograr buena televisión, hay que dejar que el espectador conozca a los personajes y se preocupe por ellos antes de que le importen los giros narrativos o sorpresas al final de cada episodio, muchas veces utilizados por el simple hecho de mantener la emoción a punta de sorpresas.

Ante la maravilla del planteamiento de historias y personajes, aún más sorprendente resultó el valor de producción que llegó a tener el segundo año del programa. Con la maravillosa fotografía de Jeffrey Jurr, los encuadres que aparecían cada semana resultan dignos de ser estudiados. Con colores específicos para cada ambiente y atmósfera, además de la colocación de los actores y movimientos de cámara realmente cuidados para un programa de televisión. A eso le sumamos el increíble manejo del espacio y actuaciones verdaderamente comprometidas con el material que se les da, y nos queda —pocas veces visto— un segundo año de serie realmente espectacular.

Funcionando muy, pero muy bien a nivel de episodio (semanal) y como temporada completa de televisión, Halt And Catch Fire es, sin duda, una de las mejores series del año. 

Hannibal: tercera temporada

Podría resultar cansado hablar bien de una serie tanto. Tratar de encontrar nuevas maneras de abordarla,

ahora por tercera vez, luego de dos primeros años sin fallas grandes o relevantes para el conjunto que se desenvolvía ante los ojos de los pocos espectadores que llegaron a verla. Aquellos que lo hicieron, los que la seguimos desde su inicio, que nos deslumbró y no deja de deslumbrarnos, podríamos considerarnos con suerte de haber visto esta pequeña, gran serie desde su inicio.

Con Hannibal, su tercera temporada no vino sin dudas y cuestionamientos de si seguía valiendo la pena, el estilo poético casi cruza la línea de volverse parsimonioso, donde lo artístico se cruzaba en el camino del más simple desarrollo, fuera de trama o de personajes. Por suerte, la mente maestra de Bryan Fuller tenía todo cuidadosamente planeado y cada detalle que parecía suelto en un episodio, en el siguiente estaba claro el porqué había estado ahí.

La cosa es que la fórmula televisiva funciona muy bien con Hannibal. Los casos de la semana la sostenían en la realidad mientras su atmósfera en forma de sueño (o pesadilla) se extendía a los diálogos, imágenes y actuaciones. Entonces, al perder ese aspecto, los minutos debían correr con una línea de narración más unidimensional, causando que las imágenes artísticas no sirvieran como antes: una extensión del mundo y sentimientos expresados a través de ellas.

Pero, por suerte, conforme avanzó, la serie fue como una bola de nieve que acumulaba los sucesos de la manera más ingeniosa y cuidadosa y los llevó a un clímax más que satisfactorio en términos de trama, de personajes, escenas de tensión y hasta de acción. El estilo de dirección se mezcló de maravilla con el guion metafórico, el paladar del doctor Lecter fue reflejado en la selección de música y la introducción de la historia del Dragón Rojo es capaz de poner los pelos de punta.

Ahora, ¿qué hace que la serie siga siendo así de excelente y emocionante?

Los personajes.

Esos que hemos ido conociendo durante más de veinte episodios y los hemos visto crecer e interactuar entre ellos. Donde la traición y el dolor son protagonistas luego del trágico final de la segunda temporada. Las conversaciones de hace dos años no tienen el peso que tienen ahora. Cada palabra significa algo distinto luego del desarrollo de la serie; desarrollo que solo la televisión puede lograr: una continuidad especial que no se ve ni en las películas, ni en los libros (por más sagas y secuelas que existan). Ese crecimiento y profundidad que se puede lograr, cuando se hace bien, con relaciones y amistades; en este caso, la “amistad” entre Will y Hannibal es un ejemplo de excelente tratamiento por parte de los escritores y, más aún, por parte de las sublimes actuaciones.

Nunca he dudado en recomendar Hannibal. Resulta una serie que se mantiene desde el principio, ahora con una madurez diferente a lo que se ve, por lo general en televisión. Ahora con la duda de saber si este será su final definitivo, pero con la esperanza de que pueda ser rescatada por algún lugar que quiera conservar esta pequeña, gran serie, queda solo disfrutarla como un fino platillo que hay que saborear con sumo cuidado hasta el final.

The Americans: temporada tres

El crecimiento de una persona se define por sus experiencias, internas y externas. Se llega a la madurez conforme los acontecimientos de la vida chocan, golpean, sorprenden o emocionan, para bien o para mal. Pero nunca dejamos de crecer o madurar. La vida es un constante aprendizaje; nadie sabrá todo nunca, nadie será perfecto en todo lo que haga. Ah, pero sí se puede llegar a ser excelente en lo que se quiera y se decida hacer.

El caso de la televisión es igual: no hay un método o fórmula para crear el programa perfecto, no existe un programa perfecto. Pero se puede llegar a ser excelente en contar una historia específica.

The Americans surge como un drama de matrimonio, camuflado con uno de espías y la delgada línea que puede hacer quebrar cualquiera de los dos. Durante su segundo año evolucionó a un drama familiar, donde los problemas de “trabajo” de los padres pueden llegar a afectar a los hijos directa e indirectamente porque los riesgos son cada vez mayores. Entra a su tercera temporada, Phillip y Elizabeth Jennings se ven en la dura tarea de seguir las órdenes del “centro” (de la Unión Soviética) que quiere que su hija de 15 años, Paige, sea parte del arriesgado trabajo de espías como “ilegal de tercera generación”; es decir, como ciudadana oficial americana pero brindando información clasificada en beneficio a un país “enemigo”.

The Americans va más allá de esas premisas y llega a plantear más preguntas que respuestas en cada episodio que pasa. Crea capas inimaginables de narración conforme avanza la temporada y abre más posibilidades para el futuro (con un año más asegurado). Es donde se hace notar la cuidadosa planeación de parte de los jefes de la serie, Joe Weisberg y Joel Fields, y cuando se puede hablar de un plan de cierto número de temporadas para contar una historia con inicio, medioy final. Como lo explica Todd VanDerWerff, estamos exactamente en la mitad. Aquí se desatan los giros narrativos y posibles sorpresas que llevarán al desenlace, a un enfrentamiento de consecuencias que se acumulan desde el primer episodio. Entonces, no será cualquier desenlace, porque ya se ha dado una construcción impecable de personajes y las relaciones entre ellos, en especial la relación de padre y madre con su hija. El cuidado que se tenía por los peligros del exterior se ve traicionado, pero desde adentro. La educación de dos adolescentes se llena de obstáculos que se salen del control que quisieran tener los padres. Todos los motivos internos y las acciones externas del drama de espías se entremezclan con el drama familiar, sutil y silencioso, lleno de intensidad.

En los errores, en las imperfecciones de los personajes como seres humanos que son llevados al límite, en el abanico de personalidades y las etapas que estas atraviesan, es ahí que la serie logra profundizar y tener aún más peso dramático con revelaciones que la hacen crecer de adentro hacia fuera, formal y conceptualmente. Porque cada palabra tiene peso en la historia, cada espacio es iluminado de manera específica, cada encuadre dice más de lo que se puede observar en una fracción de segundo.

Así, sin método o fórmula para crear el programa perfecto, pero centrándose, sin distracciones, en lo que quiere contar, The Americans narra su historia con excelencia y llega a ser indiscutiblemente impecable, semana a semana y como un todo. Con transmisión casi inadvertida pero con paso seguro, asegura su puesto como una de las mejores series de los últimos años.